In der Romantrilogie The Hunger Games der Autorin Suzanne Collins, wurde das Credo der Antike neu entfacht: Brot und Spiele – Leben oder Tod. Die richtige Taktik und die gekonnte Inszenierung der eigenen Person ist der bestimmende Faktor, um in der Arena – und darüber hinaus – seine Existenz zu sichern.

Ähnlich war es bei den Gladiatoren der Antike, deren blutige Auseinandersetzungen der Belustigung des Volkes und der Sicherung der Führungsposition einiger (weniger) Familien dienten. Als Spielfiguren einer erbarmungslosen Klassengesellschaft, blutiger Eroberungszüge und machtgieriger Herrscher waren die Gladiatoren zu Beginn der Tradition noch Sklaven oder Kriegsgefangene, schon bald schlossen sich ihnen jedoch freie und freigelassene Bürger an.

Heldenhafte Männlichkeit als tödliches Unterhaltungsschauspiel

Eine Gladiotorenausbildung versprach Ruhm, Ehre und Geld. Jean-Léon Gérôme: Pollice Verso

Warum? Mit dem Erhalt der Gladiatorenausbildung versprach man ihnen Ruhm, Ehre und Geld. Erfolgreiche Kämpfer wurden zu begehrten Symbolen der Männlichkeit, von denen beide Geschlechter gleichermaßen angezogen wurden. „Die Kämpfer konnten zwar schwer bewaffnet sein und sich an den Körperregionen schützen, die direkt einem Stoß des Gegners ausgesetzt waren. Der trainierte Oberkörper der Männer hatte aber bitteschön nackt zu sein“, meint Prof. Dr. Boris Dreyer in einem Interview mit dem G/Geschichte Magazin. Dieses sexualisierte Stilmerkmal kann man heute auch auf den Instagram-Auftritten von Fitness-Influencern, wie Nathan McCallum oder Stian Bjornes wiederfinden ­ – bei jenen Muskelmännern ist das größte Risiko jedoch lediglich, Follower zu verlieren, nicht wie bei ihren historischen Vorgängern den Kopf …

Jean-Léon Gérôme: Pollice Verso

Ein Beitrag geteilt von Nathan McCallum (@isnathan) am Jan 21, 2018 um 12:53 PST

Die ein bis drei Kämpfe pro Jahr waren angesichts der generell niedrigen Lebenserwartung zu der Zeit ein akzeptables Risiko, um im Gegenzug mit Nahrung, Obdach und medizinischer Versorgung rechnen zu können. Auch ein finanzieller Obolus kam den siegreichen Gladiatoren zu Gute: Freie durften dabei ein Viertel, Unfreie ein Fünftel des Preisgeldes behalten, welches häufig das Privatvermögen eines Sklaven überschritt. Damit waren die Gladiatoren bessergestellt als ein Großteil des gewöhnlichen Volkes. Die Gladiatoren standen im Zentrum der Massenveranstaltungen und kreierten damit einen Kult, der auch in Darstellungen auf Hauswänden, etwa in Pompeji, verewigt wurde.

Weniger tödlich und dennoch ertragreich: das Bühnenschauspiel

In seinem Buch Roman Theater and Society erwähnt William J. Slater eine weitere Personengruppe, die durch gezielte Selbstinszenierung ein Leben als verehrter, wohlhabender Bürger führen konnte: die Schauspieler. Dabei sticht vor allem ein Beispielcharakter heraus, der sogar zum Ritter des Römischen Reiches ernannt wurde. Quintus Roscius Gallus begann seine Karriere zu einem Zeitpunkt, also die großen Dramaturgen und Lyriker so viele Stücke produziert hatten, dass sich die Darsteller ihre Rollen nach ihrem eigenen Charakter und Können aussuchen konnten. Schon zu Beginn seiner Laufbahn wurde er wegen seines einmaligen Talents täglich mit 4.000 Sesterzen aus öffentlichen Mitteln plus zusätzlichen Beträgen aus der eigenen Tasche von Magistern entlohnt. Er machte sich einen Namen und er wurde zum Star der Zeit. Sogar Gelehrte wie Cicero zog er in seinen Bann. Als Lehrer gab Gallus sein Wissen und Können weiter, jedoch nicht aus Gutherzigkeit, sondern vor allem, um sein Vermögen zu erhöhen.

Auch ein Meister der Selbstdarstellung: Kaiser Augustus. Foto: Panoramio

Auch auf politischer Ebene war berechnete Selbstdarstellung eine essentielle Voraussetzung für Macht, Manipulation, Propaganda und Geld. Cäsar war der erste römische Kaiser, der sein Gesicht noch zu Lebzeiten auf die Münzen pressen ließ (Königin Elisabeth kennt das wohl auch …) und es so im ganzen Reich verbreitete. Seine Statuen ließ er sogar neben jenen von Göttern aufstellen.

Ein Vorreiter des Selfie-Beauty-Filters – also der Idee, das Aussehen des Porträtierten nach seinen Vorstellungen zu modifizieren – war Kaiser Augustus von Makedonien. Er selbst suchte nach Künstlern, die ihn nach seinen Idealen – wallendes Haar, Koteletten, bartlos – darstellten. Stets war er darauf bedacht, sein junges Alter, das ihn bei den Eroberungszügen zur Gallionsfigur machte, in den Fokus zu stellen. Seine Nachfolger imitierten diese gotthafte Inszenierung, um dem Volk Legitimität und Stabilität vorzutäuschen.

Mit der Wiederentdeckung der Antike in der Renaissance hielt auch das Selbstporträt verstärkt Einzug in die Kunst: von Albrecht Dürer, der sich gerne einmal als leidenden Jesus darstellte, bis zu Parmigianino, der seine eigene Gestalt Jahre später im Manierismus in einem Konvexspiegel erforschte. Selbstidentifikation, Selbstbild und Selbstfindung werden Kernelemente künstlerischen Schaffens, die später ebenfalls zum Leitmotiv der Arbeiten von Velazquez, Goya, Van Gogh oder Gauguin werden sollen.

Leidenschaft und brutal ehrliche Selbstdarstellung

Allen voran geht es oft um die Reflektion der Gesellschaft durch die eigenen Lebensumstände. Diese Künstler haben ihre Person in den Mittelpunkt gestellt, um den Moment ihrer Wahrheit festzuhalten. Eine Künstlerin, die Anfang des 20. Jahrhunderts diese Disziplin zum Schwerpunkt ihrer Karriere machte, und die ungeschönte Realität in ästhetischer Form ausdrückte, ist Frida Kahlo. In den etwa 200 Bildern, die sie zu Lebzeiten malte, steht fast ausschließlich sie selbst im Fokus. Ihr distinktives Aussehen, in dem die Mexikanerin traditionelle Folklore, Blumenkränze und Goldschmuck vereinte, verschaffte ihren Gemälden, aber auch ihrer Person, ein Alleinstellungsmerkmal und einen relevanten Wiedererkennungswert.

Frida Kahlo with Olmec figurine, 1939. © Nickolas Muray Photo Archives

Foto: Cindy Sherman / Instagram

Mit ihrem Können, ihren Ansichten und dem unkonventionellen Image begeisterte sie vor allem ab Mitte der vierziger Jahre Kuratoren, Presse, staatliche Institutionen und Museen, sodass sich ihre Arbeiten im Handumdrehen verkauften. Mit ihrer Ausstrahlung schaffte sie es sogar in die französische Vogue.

Der Mensch als Marke

So wie Frida Kahlo, die sich immer wieder in diversen Rollen darstellte, agiert auch die Fotografin Cindy Sherman seit den Siebzigern. Nur: Sherman verschwindet hinter dem Make-up und den Kostümen der Rollen, die sie einnimmt. Seit Beginn ihrer Karriere vereint sie alle Aufgaben in einer Person: Sie ist das Model, die Stylistin, die Set-Designerin, Auftraggeberin und Rezipientin. Sie hat ein erfolgreiches Business gegründet, dessen einzige Grundlage sie selbst ist. Und zwar so erfolgreich, dass im Jahr 2011 einer ihrer Drucke von Untitled #96 für 3,89 Millionen US-Dollar bei Christie’s versteigert wurde und damit zu einer der teuersten Fotografien des Jahres wurde.

Screenshot von Ava Gardner aus dem Trailer des Films The Killers

In ihren Arbeiten bezieht sich Sherman häufig auf das idealisierte Frauenbild der Fünfziger. Ein Bild, welches von Schauspielerinnen wie Ava Gardner oder Monica Vitti geprägt wurde. Ihre männlichen Pendants verkörperten Jack Webb oder Bob Hope. Sie verkörperten eine Generation von Darstellern, die aus dem Schatten der übermächtigen Produktionsstudios heraustrat, um ihre eigene Person in das Rampenlicht Hollywoods und der Welt zu stellen. Sie wurden zu gefeierten Superstars, die mit ihrer gekonnten Inszenierung vor der Kamera auch ihre Privatperson interessant machten. Die Schauspieler dieser Generation – und die der kommenden – promoten nicht nur sich selbst, sondern vermarkten eine Lebenswelt, ein Idealbild, das in der Fantasie ihrer Betrachter Realität wird. Bis dato ungesehen in der Populärkultur, wurden sie zu Werbegesichtern von Unternehmen, die sie engagierten, in der Hoffnung, das Image der Prominenten würde auch auf ihr Geschäft abfärben. Letztendlich wurde jedoch vor allem eines generiert: Die Etablierung der eigenen Person als Marke.

Fotos von Frida Kahlo wurden vom Victoria and Albert Museum bereitgestellt. Die Ausstellung Frida Kahlo: Making Her Self Up beginnt am 16. Juni 2018 und zeigt zum ersten Mal persönliche Gegenstände und Kleidung der Ausnahmekünstlerin.