Eine neue Generation von Sammler:innen investiert in NFTs, aber auch in alte Meister. Der Kunsthandel wird zunehmend digital und transparent.

Die Generation Y mag zeitgenössische Kunst. Spitzenreiter darin ist vor allem digitale Kunst, zumal aber auch Gemälde und Skulpturen ihren Kaufreiz nicht verlieren. Die Generation befasst sich digital und analog mit Kunst, schaut sich diese also online und offline an und will alte Gemälde genauso wie NFTs in ihrem Portfolio vereinen.

Genauso macht es der 32-jährige Justin Sun. Als Sammler glaubt er stark an die Tokenisierung von Kunst. Vor rund einem Jahr hatte er es beinahe geschafft, das sagenhafte NFT-Werk „Everydays: The First 5000 Days“ des Digitalkünstlers Beeple zu kaufen, wurde jedoch mit 69 Millionen Dollar von einem Käufer aus Indien überboten. Die Versteigerung des Auktionshauses Christie’s sorgte in der Kunstwelt für Aufruhr. „Wie viel ist der Moment wert, in dem ich 69 Millionen Dollar für eine JPEG-Datei ausgebe?“, fragt sich Kunstkritiker Kolja Reichert in der Doku „Was ist Kunst?“ von Arte. Seine Antwort bringt ein neues Kunstverständnis auf den Punkt: „69 Millionen Dollar“. Beim Sammeln von Kunst in einer digitalen Welt geht es künftig nicht mehr nur um den Besitz, sondern ebenso sehr um das Kauf-Ereignis an sich.

Justin Sun ist Chef des amerikanischen Tech-Konzerns Rainberry und Gründer der Dating-App Peiwo, die rund 50 Millionen Nutzer hat. Mit seinen Unternehmen hat der Chinese ein erhebliches Vermögen gemacht, welches er nun in Kunst investiert. Als Entwickler befasste er sich schon früh mit der Blockchain-Technologie und hat selbst Kryptowährungen entwickelt. Er mag NFT-Kunst und vergleicht sie mit der Briefmarkensammlung seiner Eltern. Seine Biographie und seine Sammeltätigkeit spiegeln dabei die aktuellen Trends wider: Das Switchen zwischen digitaler und physischer Kunst, alter und zeitgenössischer Kunst sowie die Tatsache, dass Sun aus dem Land mit dem drittgrößten Kunstmarkt der Welt stammt: China. Bald wird Asien die meisten Kunstkäufer:innen weltweit hervorbringen. Demographische Daten stützen diese These: Nur noch 16 Prozent der amerikanischen Sammler:innen sind unter 50 Jahre alt, in Singapur hingegen sind 42 Prozent aller Kunstsammler:innen nach 1980 geboren.

Nina Roehrs, Gründerin der Galerie Roehrs & Boetsch in Zürich und Beraterin von Museen und Institutionen zu den Themen Digitalisierung und NFTs sieht zwischen den zunehmend jüngeren Kunstkäufer:innen und der steigenden Beliebtheit digitaler Kunst einen Zusammenhang. „Für eine neue Generation von Sammler:innen wird es selbstverständlich sein, dass wertvolle Dinge auch einfach im Smartphone oder anderen Digital Devices zu sehen sind und nicht an der Wand hängen. Diese Generation zelebriert ihre Vorlieben und gesammelten Werke in den sozialen Medien. Damit gewinnt digitale Kunst an Bedeutung. Sie kann viel mehr Menschen erreichen. Kunst hat visuelle, dekorative Zwecke, aber oftmals verfolgt sie auch das Ziel, etwas in der Gesellschaft zu bewirken. Und hier hat insbesondere die digitale Kunst durch ihre unbegrenzte Reichweite und die Tatsache, dass sie die Sprache der heutigen digitalen Zeit spricht, viel mehr Potenzial.“

Justin Sun, der hunderttausende Follower in den sozialen Netzwerken hat, vergleicht den Kauf von Kunstwerken außerdem mit dem klassischen Shopping: Kunst wird zum Social Marketplace, bei dem der/die Künstler:in genauso eine wichtige Rolle spielt wie das Werk selbst. Kunstschaffende, die sich selbst zu einer Marke etablieren, können dadurch den Wert ihrer Kunst steigern. Künstler:innen werden zu neuen Popstars, Messen wie die Art Basel zu ihren Bühnen.

Picasso meets Beeple

Und auch die Rezeption von Kunst wird künftig nur noch digital stattfinden, meint Sun. Galerien und Messen würden als Aufbewahrungsort von Werken dienen, aber auch den digitalen Konsum der Werke fördern. Er widerspricht Skeptikern, die behaupten, Kunst könne nur wirklich erfasst werden, indem sie als Original betrachtet wird. Sun winkt ab: Die digitale Ausgabe der New York Times sei ja auch nicht schlechter als die physische Zeitung. Er möchte selbst ein digitales Museum für all seine Werke einrichten, da er viel NFT-Kunst besitzt.

Trotz seines fast grenzenlosen Enthusiasmus sammelt Sun aber auch Klassiker. Etwa einen Picasso für 20 Millionen Dollar. „Bei mir dreht sich alles um die künstlerische Qualität, egal in welchem Format. Das wollte ich mit dem Picasso-Kauf zeigen.“ Gekauft und bezahlt hat er seine physischen Werke in der Sammlung, seien es der Picasso oder Arbeiten von Andy Warhol, natürlich online, über die Website eines Auktionshauses. Das Werk selbst hat er dabei erst Wochen später im Original gesehen. Die Aufregung über den derzeitigen Wandel der Kunstwelt versteht Sun nicht: Es sei doch bei Musik und Filmen dasselbe geschehen. Man hört ein Lied und der Algorithmus schlägt den nächsten passenden Titel vor. Sun wünscht sich – ähnlich wie Spotify – eine Datenbank mit allen Kunstwerken der Welt.

Ein neuer Vertrieb von Kunst

„Der Handel mit Kunst ist einfacher geworden. Zumindest für die, die diese neuen Technologien meistern“, sagt Nina Roehrs. Ein Asset verlangt einen liquiden Markt, man müsse es schnell kaufen und verkaufen können. Wie auf einem Aktienmarkt. „Das gab es bisher im Kunstmarkt mit physischer Kunst nur begrenzt, wird aber durch die Tokenisierung nun stark beflügelt. Es ist einfach geworden, Kunst, vor allem digitale Kunst, in ein leicht handelbares Gut zu verwandeln, in dem man sie tokenisiert“, sagt Roehrs.

Damit wird die Kunstinvestition transparent. Intermediäre wie Galerien oder Auktionshäuser müssen nicht mehr den Nachweis einer Transaktion hervorbringen. Der Kunstmarkt übernimmt im Bereich des Investments Technologien von anderen Märkten wie Kryptowährungen und adaptiert diese auf den Kunstkanon. Mit einem Unterschied: Kunst ist keine Handelsware, die sich unendlich vervielfachen lässt. Deshalb werden NFT-Werke wie etwa jene der Token-Sammlung „Bored Ape Yacht Club“ künstlich verknappt, indem man sie mit besonderen Metainformationen „einfärbt“ und sie damit zu Unikaten deklariert, die mittlerweile mehrere Hunderttausend Dollar kosten. 

London, 2063: Künstlerin Lola designt für Balenciaga, verkauft digitale Kunst aus ihrem Wallet und arbeitet für eine Werbeagentur. Lola ist ein lebendes Gesamtkunstwerk in einem nie endenden Stream.

Lola wacht an diesem Wintermorgen von den wechselnden Lichtspielen ihres Weckers in ihrer Wohnung in London auf, setzt sich in ihrem Bett auf und flüstert schlaftrunken: „Wallet“. In ihrem Schlafzimmer poppt ihr Home-Hologramm auf. Sie wischt mit flinken Handbewegungen durch ihre virtuelle Galerie und lächelt. In der Nacht haben 350.000 Personas ihre neue „animals“-Serie gestreamt, ein DAO hat sogar einen „Sidecurve“-Hasen gekauft. Dann sagt sie „People“, ihr Zimmer füllt sich mit hunderten von Gesichtern – alles neue Follower. Sie zoomt in ein Bild hinein: Die Art Directorin von Prada loopte ihre Collab mit Balenciaga.

Lola ist bekannt für ihre künstlerischen Arbeiten, welche Fabelwesen, zusammengesetzt aus verschwundenen Tierarten und cyborg-ähnlichen Apparaturen, darstellen und in verschiedenen Ausprägungen wie Hologrammen, die sich in Räumen bewegen und dabei mittels AI selbst entfalten, daherkommen. Die Unverwechselbarkeit ihrer Kunst hat ihr eine Residency bei „Wuha“ Arts & Culture, dem weltweit dominierenden Google-Nachfolger aus China, eingebracht. Dort tüftelt sie an der Verschmelzung von Daten und Zellen, an greifbaren Traumwelten und an den neuesten Holo-Apps. Lola hat in der sogenannten „Second-World“ vor einigen Tagen eine immersive Installation geschaffen, die wöchentlich von rund zwei Millionen Menschen gespielt wird. Nach einem Kaffee geht Lola in ihr begehbares Ankleidezimmer und entscheidet sich für eine Arbeit von Helia Pour, einer iranischen „Makerin“, die nach der Revolution vor 30 Jahren mit ihrer ersten Kollektion für Furore sorgte und sie zu ihrem eigenen Drop bei Balenciaga inspirierte.

Kunst ist Streaming

Pour ist wie Lola „Makerin“, also eigentlich Künstlerin, aber die Bezeichnung ist Ende der 2020-Jahre gänzlich verschwunden, als sich Lola wie viele andere Kreative gegen Ausstellungen in Museen entschieden haben, um der männlich dominierten Kunstwelt den Rücken zuzukehren. Mit Chains-Tech kann Lola ihre Hologramm-Werke mit digitalen Stempeln versehen. Jedes Mal, wenn sich ein User diese anschaut, kriegt sie einen Input auf ihr Wallet. Wenn der User den digitalen Zwilling von Lola in die Performance mit einbezieht, erhöht sich die Input-Rate.

Bis auf den 106-jährigen Kevin McCoy, der zu den Altmeistern des Art Investments gehört und der die Pop-NFT-Welle Anfang der 2020er-Jahre entscheidend mitgeprägt hat, verdient eigentlich kein „Maker“ mehr Geld mit seinen Werken. Lola hat kürzlich auf dem Flohmarkt ein NFT aus dem Jahre 2025 entdeckt, als sie mit einer Freundin am Portobello Market gewesen war. Sie mussten beide lachen, als sie dieses in ein Viereck gedrucktes, digitales Bildchen sahen. „Ich habe bei meinen Großeltern mal einen USB-Stick auf dem Dachboden entdeckt, krass oder, kennst du das noch? Das NFT hat mich irgendwie daran erinnert“, sagt Lolas Freundin. 

 Ausverkauf im phygitalen Space

Lola ist ein viraler Star, der in der „Second World“ Millionen von Followern hat und ihnen ihre ganze Welt offenbart. Dabei stellt Lola nicht nur Hologramm-Kunst her, sondern kooperiert auch mit Modelabels und arbeitet für eine Werbeagentur, bei der sie immersive Kampagnen entwickelt. Lola ist ein lebendes Kunstwerk in allen Facetten. Alles an ihr ist Kunst, und ihr Output findet auf allen Kanälen statt. Geld verdient Lola vor allem mit den physischen Werken, die sie produziert. Digitales ist in einer Endlosschleife verfügbar und dient Lola hauptsächlich für das eigene Branding und ihre Bekanntheit. Eine Kollektion für Balenciaga, eine Collab mit einem Getränkehersteller, Ambassador für eine Hotelkette. Lola’s Kunst ist ihre avantgardistische Sichtweise der Welt, ihr Geschmack, ihr Stil – mit dem identifizieren sich ihre Kunden und ihre Fans gleichermaßen.

Vor einigen Tagen hat sie wieder 100 Pre-Hologramme gedropt, die alle ein Meme eines physisch-digitalen Werks sind, welches sie im phygitalen Space der „New Talents“-Section des Liberty Stores in London ausgestellt hat. Die Hologramme repräsentieren zugleich einen neuen Sneaker von Balenciaga, den sie mit ihren post-apokalyptischen Tiermotiven eingefärbt hat. Die Memes waren innerhalb einer Stunde ausverkauft und wurden danach auf den „People“-Kanälen tausendfach geteilt. Die Daten wurden in Echtzeit in die vollautomatisierte Produktionskette von Balenciaga eingespeist und reproduzierten den Sneaker innerhalb von wenigen Stunden, gelinkt an den Onlinehändler „Wuhashion“, bei dem die Bestellungen eingingen. Lola verzichtete diesmal auf einen Pre-Sale in einem Pop-up-Store. Die Warteliste der interessierten Käufer:innen für das Original-Hologramm, das mit einem Zertifikat versehen ist, liegt schon jetzt im vierstelligen Bereich. Vielleicht versteigert sie es, vielleicht spendet sie es. Lola entscheidet intuitiv, worauf sie gerade Lust hat.

Reality is fiction, fiction is reality

Anfragen von alteingesessenen Museen wie Tate Modern, die seit dem Ableben der letzten Babyboomer-Generation kaum mehr Besucher:innen in ihrem riesigen Gebäude verzeichnen, lehnt Lola bewusst ab. Sie sieht ihre Kunst als Gegenbewegung zum Kunstkanon und dem Establishment aus der ersten Hälfte des 21. Jahrhunderts, das von weißen Männern und Wohlhabenden geprägt war. Deshalb möchte Lola ihre Kunst keinesfalls in einem alten Museum, einer Kunstmesse oder einer Galerie stehen sehen, sondern bevorzugt Labels und Konsum-Plattformen. Pop-Art 4.0 scheint für sie wahre Kunst zu sein. „Kunst ist ein veralteter Begriff und erinnert an verstaubte Museen und Gemälden an Wänden. Ich mache nicht Kunst, ich lebe einfach. Dabei unterscheide ich nicht zwischen physisch und digital, sondern zwischen fiktiv und non-fiktiv. Alles, was mich ausmacht, manifestiert sich in der greifbaren und nicht-greifbaren Welt, in Objekten, die man aus einem Kleiderschrank nimmt, in Memes, die du deinen Freunden schickst oder auch nur einen Farbstrich auf einer Cola-Dose“ sagt Lola in einem Interview. Ob ihre Werke kopiert und verändert werden, ist Lola egal. Für sie ist es wichtig, dass sie auf möglichst vielen Kanälen kursieren.

Lolas Kunst wechselt in hybriden Räumen hin und her, digital und physisch, virtuell und konzeptionell und in all den Zwischenräumen. Sie winkt ab, wenn sie auf die Anfänge des 21. Jahrhunderts angesprochen wird, als noch galt: Digital ist virtuell und physisch ist real. Lola zeigt in ihren Werken die komplette Auflösung des Realitätsbegriffs und der eigenen Identität, die nicht mehr physisch oder digital gespalten wird. Stattdessen ist sie nur noch ein einziger Stream.